image001A mostra coletiva PHYSIS SOMA – o corpo, a expressão e a poética do movimento  reúne os artistas visuais Ana Dantas (RJ), Cassio Vasconcelos (SP), Edouard Fraipont (SP), Flavya Mutran (PA), João Penoni (RJ), Regina Silveira (SP) e Walter Carvalho (RJ). O projeto de livro de arte/exposição é das curadoras independentes Angela Magalhães e Nadja Peregrino e busca explorar a expressão do rosto, bem como do corpo em seu contínuo movimento e mutação. O patrocínio é da Allergan (incentivo lei Rouanet) que vislumbrou a possibilidade de comemorar os 20 anos do botox (ação corporal e terapêutica) por meio de um enfoque cultural e artístico, com produção da Apó Soluções e coordenação geral de André Dornelles.

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Instalada na Casa das Rosas, em São Paulo/SP, a mostra ocupa vários ambientes.

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Com ênfase nas imagens fotográficas que exploram a expressão do rosto e o movimento do corpo, a mostra é composta de instalações, vídeo-arte e experiências multimídias, uma delas de caráter interativo. Trata-se de explorar a relação entre ciência e arte, geralmente tratadas como vertentes antagônicas que, hoje, se entrelaçam num campo multidisciplinar cada vez mais vasto. Desta forma, ao invés de seguir o caminho da propaganda convencional, a Allergan abre a possibilidade de difundir para um público mais amplo o papel dos intelectuais (filósofos, físicos e artistas, por exemplo) como produtores de conhecimento. A exposição e lançamento do livro aconteceram em São Paulo, na Casa das Rosas, na noite de 06 de novembro de 2013.

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Detalhes da montagem da sala de Flavya Mutran com as séries EGOSHOT, BIOSHOT e THERE’S NO PLACE LIKE 127.0.0.1. Abaixo, a publicação que reúne textos das curadoras, convidados e  os trabalhos de todos os artistas participantes do projeto.

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Acima, detalhe da publicação produzida para o projeto, em edição de luxo, ilustrada e com textos críticos das curadoras e convidados. Para saber mais, acesse http://www.physis.art.br

Imagem  —  Publicado: 16/11/2013 em Fotografia

Nos próximos dias 22 a 25 de agosto a Galeria Kamara-Kó, de Belém/PA, estará participando da maior Feira de Fotografia da América Latina: sp-arte/foto/2013.

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Foto que integra os trabalhos que estarão em exibição no stand da Kamara-kó galeria, de Flavya Mutran.

Especializada na arte Fotográfica, a Kamara-kó é um espaço pioneiro na divulgação, exibição e comercialização de trabalhos de artistas paraenses, residentes ou não no Pará. Trabalhos da série ‘There’s no place like 127.0.0.1′ estarão em exibição no stand da galeria e podem ser vistos estre os portifólio dos artistas participantes, no catálogo idealizado e produzido por Makikó Akao e Keyla Sobral, com apoio cultural da SECULT/PA.

http://issuu.com/kamarakogaleria/docs/catalogokamarakogaleria

Diário do Pará - Edição Eletrônica

SERVIÇO

SP-Arte/Foto/2013

21 de agosto, quarta-feira, das 15h às 22h [abertura exclusiva para convidados]

22-25 de agosto, quinta a domingo, das 14h às 20h

A exposição Cromomuseu: Pós-Pictorialismo no Contexto Museológico, aconteceu de 06 de dezembro de 2012 a 31 de março de 2013, em Porto Alegre/RS, ocupando todas as oito galerias do Museu de Arte do Rio Grande do Sul. A exposição mostrou a produção artística de diferentes linguagens, abrangendo um período que vai desde meados do século XIX até a contemporaneidade, no total de 223 obras de 147 artistas brasileiros e estrangeiros do acervo do MARGS. A curadoria da exposição ficou à cargo do diretor do MARGS, Gaudêncio Fidelis.

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Duas obras, da série BIOSHOT de Flavya Mutran (2010) que integram o acervo do MARGS foram incluídas na Mostra, na sala “A ausência”. As Imagens da série BIOSHOT, integram a pesquisa Pretérito Imperfeito de Territórios Móveis, e tratam da massificação de autorretratos como formas de construção de autonarrativas contemporâneas, graças ao uso de aplicativos gratuitos disponíveis na internet.

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Acima, detalhe das obras de Flavya Mutran da série BIOSHOT (2009-2010, Porto Alegre/RS) expostas em uma das salas negras, do setro CROMONOMIA: A ausência. Para o curador da Mostra, Gaudência Fidelis, “A restrição à cor representa uma perda material; porém, para a experiência estética, ela significa um acréscimo de grande significado. Obras monocromáticas significaram uma radicalização do espaço pictórico desde o seu advento no início dos anos de 1950. Para esse segmento, foram escolhidas predominantemente obras monocromáticas nas cores preto e branco, que constituem o estágio mais radical da experiência monocromática na obra de arte. A economia política do monocromo presumia a supressão da variedade colorística com o objetivo de obter um ganho de impacto pela concentração máxima da intensidade da cor. Contudo, essas não são obras monocromáticas puras, mas híbridas, já que a arte brasileira raramente produziu obras monocromáticas radicais, mas quase sempre com a contaminação de outra cor, mesmo que algumas vezes esta fosse praticamente imperceptível. Cromonomia introduz uma série de questões relativas a uma economia do monocromo e à sua emblemática existência no campo da arte.”

Abaixo, transcrevo parte do texto distribuído no release da Mostra, em que o curador fala sobre o conceito da exposição:

‘Centenas de cores e uma galeria invertida

Cromomuseu é formada por uma plataforma museográfica composta por paredes pintadas com centenas de cores sobre as quais serão expostas as obras e uma “galeria invertida”, construída dentro de uma das galerias do MARGS, onde as pinturas serão mostradas com seu verso voltado para o público. Cromomuseu declara temporariamente o fim do chamado cubo branco — o espaço de exposições privilegiado pela modernidade para exibição de obras. Trata-se de um espaço asséptico, branco, inodoro e sem interferência de luz externa, cujo objetivo é isolar a produção artística do mundo real, possibilitando que tudo o que seja exibido naquele espaço torne-se, por essa razão, consagrado como arte. O cubo branco foi assim concebido como uma plataforma ideológica capaz de canonizar as obras da modernidade.

Paraa exposição Cromomuseu, as paredes das galerias foram pintadas com centenas de cores, sobre as quais foram exibidas as obras. Esta não é, portanto, uma exposição prioritariamente sobre a cor como questionamento posto pelas obras, mas sobre o emprego da cor no espaço museológico e como o aparato museológico interfere em nossa percepção. Mais do que isso, trata-se de uma exposição que problematiza a percepção comoum dos mais complexos fenômenos da atualidade. De como ela é constantemente alterada pelos mecanismos de exibição museográfica, pela lógica de exibição de obras adotada por cada um dos projetos curatoriais e pelo modo como cada um desses objetos artísticos é colocado em funcionamento.

Cromomuseu promove a extinção do cubo branco de exposições e impregna as paredes do museu com o universo social e todas as suas perturbações: sinais, logos, cores, sensações, etc. A obra agora não está mais protegida pelo imaculado espaço branco, mas posta no mundo, despregada do universo da arte e solta no universo da cultura. O primeiro pode ser lido como o campo da arte e o segundo como o campo social da cultura.

Ao invés do cubo branco, o cromocubo

O Cromocubo constitui-se, porém ,como uma plataforma crítica, ao contrário das ingênuas e decorativas investidas da cor nas paredes do museu. Nesse sentido, o MARGS avança para um universo impregnado pelo conceito de cultura total e inclusiva, utilizando desta vez o mecanismo da cor. Assim, ao incorporar uma diversificada gama de possibilidades colorísticas, o MARGS abre um terreno fértil para o universo de programas futuros que a instituição pretende privilegiar, por meio de exposições que incorporem uma maior diversidade de proposições artísticas, capazes de representar a qualidade e a excelência da arte brasileira e estrangeira presente em seu acervo. O cubo branco é exclusionário e o cromocubo mais inclusivo. O primeiro privilegia as obras primas, o segundo a diversidade de estilos.’

O MARGS irá inaugurar dia 17 de maio às 19 horas sua primeira grande exposição do ano com obras de 60 artistas nascidos entre 1860 e 1982. Explorando a polissemia da palavra Alien, a exposição abordará diversas estratégias curatoriais para discutir as diversas facetas da produção artística, como a formação do cânone, as abordagens politicas do Outro, memória e cronologia e a inovação artística recente.

Dividida em três grandes segmentos, a exposição possui uma abordagem curatorial híbrida oriunda de um método não-cronológico e não hierárquico de montagem de exposições utilizado em exposições anteriores do MARGS como Labirintos da Iconografia e O Museu Sensível. As obras da exposição são em sua maioria provenientes do acervo do MARGS completadas por um segmento de obras de artista contemporâneos. Dando segmento a sua politica de privilegiar o acervo em suas exposições o Museu de Arte do Rio Grande do Sul realiza esta que pretende ser a maior exposição que a instituição já realizou dedicada a discutir os princípios de formação canônica, assim percorrendo as mais diversas abordagens artistas de meados do século 19 até a produção amis recente, tida como aquela que se mostra não só inovadora, mas radical em suas diversas abordagens do objeto artístico.

Com vem sendo feito em exposições anteriores do museu a organização curatorial da exposição foi realizada na forma de justaposições e paralelos entre obras de períodos, escolas e gêneros diferenciados, onde uma obra estará sempre ligada a outra e/ou conjunto de obras. No estabelecimento destas relações foi colocado uma ênfase em questões conceituais, estéticas, históricas, técnicas e ainda outras abordagens como gênero, classe e abordagens que se mostram frutíferas para potencializar e expandir o significado de cada uma das obras presentes na exposição. A escolha das obras foi realizada como forma de quebrar pressupostos canônicos que fundamentam as hierarquias entre obras, e ao fazê-lo revelar os mecanismos que as definem como tendo maior ou menor importância em uma escala de valores estéticos, culturais e históricos..

Dando continuidade ao programa de exposições do MARGS instituído nesta gestão, esta é igualmente uma exposição concentrada em obras e não com ênfase em individualidades, salientando a importância de cada uma delas em um campo institucional de produção de conhecimento da produção artística que o museu quer privilegiar. As escolhas das obras foram realizadas para privilegiar uma disposição nãocronológica, avançando e recuando dentro do arco histórico definido pela exposição, buscando privilegiar a convivência entre obras no espaço de exposição produzindo mecanismos de amostragem que venham a enfatizar o potencial artístico de cada uma destas obras para além de sua proposição estética inicial. Assim a exposição busca instituir novas relações entre obras como entidades cujo potencial artístico seja capaz de se relacionar com obras de períodos e gêneros diversos para muito além da sua especificidade cultural e artística.

A exposição traz um considerável número de obras inéditas do acervo do MARGS que ainda não foram sido mostradas pelo museu, assim como obras canônicas da coleção, conhecidas do grande público, e ainda obras de outras coleções e artistas contemporâneos.

‘Alien: Manifestações do Disforme‘ está divida em quatro segmentos diversos, definidos através de proposições conceituais que articulam o projeto curatorial da seguinte forma:

1)      Imagens que mundo esqueceu

Este segmento da exposição é composto por obras que nunca foram trazidas adequadamente à visibilidade pública. Através delas, vemos que a dimensão artística e estética pode ser ampliada em diversas direções, principalmente quando abandonamos a extensa lista de convenções que norteiam a constituição de objetos artísticos e suas posteriores escolhas. Encontram-se neste segmento obras que não ainda tenham despertado significativa importância de uma perspectiva artística ou acadêmica, mas que se constituem como objetos criativos e singulares no território da arte.

2)      Desvios da norma

Este segmento abrange obras que, por sua constituição estética, situam-se fora dos parâmetros canônicos vigentes da produção consagrada pela crítica e pela historiografia. Se forem consideradas as convenções artísticas, as obras neste segmento demonstram um considerável desconforto em situar-se no âmbito das regulamentações do cânone estabelecido. Por isso mesmo, sua constituição é diametralmente oposta à produtividade discursiva da metodologia artística que pressupõe a regra como recurso da assinatura e da credibilidade formal.

3)      Um outro entre tantos

O centro de abordagens políticas de gênero, classe e identidade é o que caracteriza o campo de articulação conceitual desse segmento da exposição. Dentro dessa ótica, a evidência de uma política das coleções e sua formação é introduzida como elemento fundamental da constituição de um acervo, assinalando a visão artística como não sendo destituída de uma predisposição de representação do aspecto social e político. Nesse segmento são contempladas obras que traduzem a condição do Outro como estrangeiro, visto muitas vezes como diferente e dissimilar à nossa própria constituição; disforme, portanto, diante do olhar muitas vezes viciado do preconceito.

4)      Supernova

Composto pela produção de artistas da geração mais recente, este segmento introduz o novo para além da conhecida vontade das vanguardas históricas, possibilitando a apresentação de obras que ainda não estão institucionalizadas, mas que apresentam vocação para a radicalização dos procedimentos artísticos. Em sua dimensão propositiva, tais obras apresentam um campo de possibilidades que articula a vontade de constituição do objeto em contraposição à racionalidade das regras normativas da arte.

Artistas (8) do segmento Supernova:

Alessandro Amorin, Camila Schenkel, Dirnei Prates, Flavya Mutran, Guilherme Dable, Leandro Machado, Mayana Redin e Marcos Sari.

Na abertura da exposição ocorrerá a performance Tacet, de Guilherme Dable, com a participação dos músicos Diego Silveira, Antonio “Panda” Gianfratti e Thomas Rohrer. Nela, os músicos “operam” instrumentos preparados com papéis que além de alterar a sonoridade dos instrumentos, deixam registrados suas ações performáticas graficamente, gerando assim uma série de desenhos, ao mesmo tempo que executam a música.

A realização de uma exposição que invoque uma perspectiva alienígena para a constituição das obras está essencialmente fundamentada em uma perspectiva de articulação do estranho, daquilo que não encontra lugar imediato dentro dos parâmetros de canonização instituídos e colocados em efeito pelo processo de institucionalização.

 Alien: Manifestações do Disforme apresenta a obra dos seguintes artistas:

(lista total, obras do acervo MARGS e convidados/Supernova)

Adma Corá – (Porto Alegre, 1958).

Alberto Guignard – (Nova Friburgo/RJ, 1896 – Belo Horizonte/MG, 1962).

Alessandro Amorin – (Caxias do Sul/RS,1970).

André Petry – (Porto Alegre, 1958).

Arlete Sauer – (Passo Fundo/RS, 1923).

Arthur Piza – (São Paulo/SP, 1928).

Astrid Linsenmayer – (Porto Alegre/RS, 1936).

Bez Batti – (Venâncio Aires/RS, 1940).

Britto Velho – (Porto Alegre, 1946).

Camila Schenkel – (Porto Alegre/RS, 1982).

Cláudio Carriconde – (Arroio Grande/RS, 1934 – Santa Maria/RS, 1981).

Danúbio Gonçalves – (Bagé/RS, 1925).

Dirnei Prates – (Porto Alegre/RS, 1965).

Eleonora Fabre – (Sobradinho/RS, 195).

Elim Dutra – (Bom Jesus/RS, 1942).

Fernando Corona – (Santander/Espanha, 1895 – Porto Alegre/RS 1979).

Flavya Mutran – (Maraba/Pará, 1968). Abaixo, duas obras expostas na Mostra que também passaram a integrar a coleção permanente do MARGS.

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Frank Shaeffer – (Belo Horizonte/MG, 1917 – Rio de Janeiro, 2008)

Guilherme Dable – (Porto Alegre/RS, 1976).

Guma – (Tapes/RS, 1924 – Porto Alegre/RS, 2008).

Gustavo Nakle – (Montevidéo/Uruguai 1951)

Hércules Barsotti – (São Paulo/SP, 1914-2010).

Iberê Camargo – (Restinga Seca/RS, 1914 – Porto Alegre/RS, 1994)

Ilsa Monteiro – (Porto Alegre, 1925).

Izrael Szajnbrum – (Urzedow/Polônia, 1924).

José de Souza Pinto – (Açores/Portugal, 1856 – Porto/Portugal, 1939)

Jader Siqueira – (Pelotas/RS, 1928).

João Gonçalves – (Uruguaiana/RS, 1950).

Kenji Fukuda – (Indiana/SP, 1943)

Leandro Machado – (Porto Alegre/RS, 1970).

Luiz Gonzaga – (Júlio de Castilhos/RS, 1940).

Lúcia Ramenzoni – (São Paulo/SP, 1943).

Luigi Napoleone Grady – (Santa Cristina/ Itália, 1860 – Brusimpiano/Itália, 1949).

Luiza Albuquerque – (Porto Alegre, 1927).

Luiz Alcione Moreira – (Porto Alegre, 1945).

Luiz Barth – (Taquara/RS, 1941).

Luiz Carlos Felizardo – (Porto Alegre, 1949).

Lyria Palombini – (Itanhadu/ MG, 1939).

Marcos Sari – (Porto Alegre/RS, 1972).

Mário Röhnelt – (Pelotas,1950)

Mayana Redin – (Campinas, 1984).

Milton Kurtz – (Santa Maria/RS, 1951 – 1996).

Moacir Chotguis – (Santana do Livramento/RS, 1954).

Noelia de Paula – (Salvador/BA, 1937).

Norberto Nicola – (São Paulo/SP, 1931-2007).

Paulo Aguinsky – (São Borja/RS, 1942).

Paulo Osir – (São Paulo/SP, 1890 – 1959).

Paulo Porcella – (Passo Fundo/RS, 1936).

Renato Hauser – (Porto Alegre/RS, 1953)

Roberto Cidade – (Caçapava do Sul/RS, 1939-Torres/RS, 2011)

Rodolfo Garcia – (Montenegro/RS, 1931).

Saint Clair Cemin – (Cruz Alta/RS, 1951).

Tânia Resmini – (Santana do Livramento, 1951).

Tomie Ohtake – (Japão, 1913).

Vera Rausch – (Porto Alegre, 1943).

Wilbur Olmedo – (Cachoeira do Sul/RS, 1920 – Porto Alegre/RS, 1998).

Wilma Villaverde – (Buenos Aires/Argentina, 1942).

Wilson Cavalcante – (Pelotas, 1950).

Wilson Alves – (Porto Alegre, 1948).

Yutaka Toyota – (Tendo/Japão, 1931).

A Galeria Virgilio   inaugura no dia 08 de maio, às 20 horas, a mostra de fotografias O Olhar que vem da Terra, com curadoria de Izabel Pinheiro e texto de apresentação do arquiteto Paulo Chaves. A coletiva 47 de fotos e 2 vídeos exibe a recente produção de 15 artistas de origem paraense ao público paulistano durante a realização da SP Arte, evidenciando a diversidade de linguagens de diferentes gerações de artistas selecionados pela galerista paraense.

Participam da coletiva: Alberto Bitar (selecionado para a 30a Bienal de São Paulo), Alexandre Sequeira, Armando Queiroz, Bruno Cecim, Claudia Leão, Elza Lima, Mariano Klautau, Flavya Mutran, Fatinha Silva, Guy Veloso (participou da 29a Bienal de São Paulo), Octávio Cardoso, Paulo Jares, Walda Marques, Pedro Cunha e Paula Sampaio.

Balizada desde o início dos anos 1980 em oficinas criativas como o Fotoficina, Fotoativa e, principalmente, nas realizações do Fotovaral, a partir de 1983, algumas gerações de artistas paraenses passaram a fazer leituras críticas acerca do fazer fotográfico, alentando uma produção singular que teve continuidade na década seguinte, impulsionada pela Oficina de Fotografia Fotoativa. Para o pesquisador e fotógrafo Patrick Pardini, o legado técnico, metodológico e pedagógico dessas oficinas  se faz presente em grande parte da atual produção fotográfica paraense representada nesta mostra coletiva.

Para Paulo Chaves, “a fotografia paraense se afirma na diversidade de conceitos e atitudes diante da vida. A rigor, apesar das diferenças, pulsa uma factível identidade amazônica, com suas misérias e esperanças. Quem sabe um único olhar num caleidoscópio de infinitas combinações, ou, talvez, múltiplos olhares de uma essência que se plasma na energia do nosso imaginário”.

Serviço:

Evento:  Olhar que vem da terra, exposição coletiva de foto e vídeo

Abertura: 08 de maio, terça-feira, a partir das 20 horas

Período expositivo: de 09 de maio a 05 de junho de 2012

Local: Galeria Virgilio

Endereço: Rua Virgílio de Carvalho Pinto, 426

CEP 05415-020, Pinheiros, São Paulo – SP

Telefone: (55 11) 2373 2999

Horários: de segunda a sexta, das 10 às 19h; e sábados, das 10 às 17h

Entrada franca e livre

www.galeriavirgilio.com.br

Informações para a imprensa:

Décio Hernandez Di Giorgi

www.adelantecultural.com.br

dgiorgi@uol.com.br

Tel.: (55 11) 8255 3338 (cel.)

Publicado: 02/04/2012 em Fotografia